Ay

Cuando la noche se rompe y Sevilla queda en vela,
no hay reloj que marque el tiempo, ni pena que no duela.
Las calles huelen a cera a promesa y a clavel.
Y el silencio se arrodilla cuando pasa al Nazareno.

Ahí hay quien pudiera ser la piedra donde apoya el cansancio.
Quien pudiera ser la sangre que te corre por los brazos.
Más despacio, tan despacio que separa el corazón.
Cada paso es un martirio, cada paso una oración.

Ay, mi Cristo,
Ay mi Cristo,
la noche entera te mira con los ojos de su gente.
Nadie habla, nadie respira,
todo el mundo está presente.
Que no suene ni un suspiro cuando cruce la ciudad.
Que Sevilla va descalzar siguiéndote la madrugada.

Ahí. ¿Quién te dio tanta condena?
¿Quién te puso ese madero?
Si tu culpa fue quernos más de lo que nos queremos,
llevas el mundo a la espalda, no te queas, no te va.
Y aunque el alma se te caiga, sigues andando despacio.

Ay, Señor, las rejas lloran bajito,
los balcones se persinan y hay un nudo en cada pecho que ni grita ni se quita. No hay voz que pueda cantarte sin
partirse por la mitad, porque tu cara ensangrentada no se puede olvidar.

Ahí míralo como camina. Solo roto y desangrado.
Con el perdón en los labios y el dolor atravesado.
Si supieras cuántas veces te hemos vuelto a crucificar con promesas [música] que no cumplimos.
Silencios que hacen mamal. Cristo mío, no te vayas de esta calle,
no te [música] vayas todavía. Que hay un niño que te espera rezando desde la esquina, que hay una madre en la sombra
que no puede llorar y solo al verte pasar vuelve a creer y aguantar.

Ahí cuando el alba se asoma y la noche empieza a huir,
sigues clavado en la pena sin pensar nunca en ti.
La madruga se hace herida, se hace fe y se hace verdad.
Porque nadie sale y les verte pasar.

Ay, Señor, quien pudiera ser tu llanto para aliviarte el dolor.
¿Quién pudiera ser tus manos cuando te fallamos todos?
No hay oro que valga tanto como tú andar fatigado.
Ni corona más brillante que tu rostro destrozado.

Ay. Sevilla entera se inclina no por miedo,
por amor, porque en tu cruz
va colgada la esperanza del perdón. Y aunque el día amanezca y la noche muera atrás, tu mirada se nos queda
clavada en la madruga.

Ahí, mi Cristo,
si algún día no estoy
aquí para cantar de frente,
que esta voz quede en el aire como rezan los valientes.
Que sepan que en esta esquina un alma se desangró cuando al verte la madrugada.
Se le partió el corazón.

Ahi
Madruga, hay madruga. Ahi.

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El video de hoy, analiza el valor artístico del conjunto escultórico de La Piedad del Vaticano.

Una de las obras más célebres y reconocidas del genio renacentista Miguel Ángel. Una obra maestra esculpida en un solo bloque de marmol con una técnica y minuciosidad que sorprende profundamente.

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Guadalupe Amor (México 1918-2000) publicó en 1953 sus Décimas a Dios. Ella misma introduce su poemario diciendo: “Empecé a escribir estas décimas por necesidad apremiante. Cuidé de que su forma fuese pura, respetando la más clásica tradición castellana. Quizás deseaba yo tratar a Dios con las palabras que él ya está acostumbrado a oír, ya que lo que pensaba decirle era una expresión muy personal para comprometerlo de una manera o de otra”.

En sus décimas, Pita Amor –como la llamaban– le habla a Dios de tú a Tú y a lo largo de las 44 composiciones del poemario se aprecia un itinerario que va de la interpelación que hace a Dios sobre su existencia, hasta la más humilde aceptación de su misterio. Ella misma lo afirma cuando dice: “Estos versos, estos renglones contradictorios, los he escrito en diferentes estados de ánimo; de ahí que oscilen desde la fácil herejía hasta el impaciente misticismo; desde el punto más lúcido de mi mente, hasta el más exaltado latido de mi corazón, pasando por la sombra, pasando por la opaca indiferencia”.

Pita fue tía de la gran escritora Elena Poniatowska, quien en un documental sobre la poetisa recordaba que sus escritos suscitaban cuestionamientos: “Decían que no era posible que una mujer tan frívola los hubiera escrito… y es que sus sonetos eran perfectos”. Si uno acude a la biografía de Guadalupe Amor se encuentra con una mujer controvertida, volcánica, como ella solía afirmarlo. En la misma introducción de sus Décimas a Dios se autocalifica: “Yo soy un ser desconcertado y desconcertante; estoy llena de vanidad, de amor a mí misma, y de estériles e ingenuas ambiciones. He vivido mucho, pero he cavilado mucho más; y después de tomar mil posturas distintas, he llegado a la conclusión de que mi inquietud máxima es Dios”.

Inquietud. Resuena en mí esta palabra al asociarla a Dios. Muchas personas que buscan a Dios por muchos caminos desean encontrar en Él quietud. Sin embargo, Dios es también una relación personal y la experiencia que tenemos de Él es intransferible. Para Pita Amor Dios fue su inquietud máxima. Aquél que la mantenía inquieta, que despertaba en ella el deseo de verlo, de tocarlo, pese a los límites de lo humano.

En las décimas que Pita escribe a Dios no hay blanco y negro, sino una enorme gama de grises que van dando cuenta de su paisaje interior. Como el de cualquier persona. Sólo que Pita, como lo afirman quienes la conocieron, no tenía censura y en su poesía liberaba todo aquello que sentía y pensaba.

Por último, quiero compartir dos de sus poemas contenidos en sus Décimas a Dios (tercera edición a cargo de Fondo de Cultura Económica: México, 2018).

Dios será la salvación,
pero es difícil hallarlo
porque no basta heredarlo
y pedirle comprensión.
Hay que abrirse el corazón
y las entrañas rasgarse,
y ya desangrada, darse,
olvidándose de todo.
Hay que buscarlo de modo
que Dios tenga que entregarse.

Antes te quise visible,
constante en mi inteligencia,
deseé tu fija presencia
y que fueses infalible.
Hoy te concibo intangible,
tan sólo una sensación
que adormece la razón,
y por instantes contados,
eres latidos aislados
que arroban el corazón.

Texto: Javier Bustamante Enriquez

Producción: Hoja Nuestra Señora de la Claraesperanza

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Entrevista a Javier Bustamante Enríquez, artista mexicano. El encuentro con la soledad y el silencio, la contemplación de la realidad para ser uno con ella, el proceso creativo como experiencia de vida, la existencia compartida con Dios… son temas que van brotando de una tarde de conversación con Javier Bustamante.

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Las artes visuales, concepto en movimiento

Un comentario en torno a las relaciones entre oración y artes visuales exige detenerse en los alcances de las artes de la visualidad.

La evolución del concepto del arte de lo visual en los últimos 100 años es notable y compleja. A las tradicionales artes plásticas -dibujo, pintura y escultura- se han sumado nuevos medios como la fotografía, el arte del objeto, la imagen en movimiento en el cine y la animación, las acciones del mismo artista en la performance y las realizadas por otros en distintos formatos como el happening, las prácticas políticas, el arte de la tierra, el uso del propio cuerpo, internet y los nuevos medios en sus diversas y complejas expresiones.

Es así como el objeto del arte cada vez se encuentra menos acotado, cada día está más expandido. En este contexto, ¿qué reúne y aúna todos estos medios y lenguajes? Podríamos decir que junto a la intencionalidad del artista, el común denominador de estas prácticas consiste en su capacidad de producir significado a nivel social e individual y en su visualidad.

Más allá del arte, la visualidad nos construye

Avanzando un poco más en el análisis, es innegable que los múltiples estímulos visuales que nos bombardean día a día cumplen un rol protagónico en la construcción de nuestras identidades. Las imágenes están en todos lados y al arte se expande cada día más fusionándose con la cultura popular y relacionándose con disciplinas aledañas como el diseño, la moda, los video juegos, la publicidad y la arquitectura, entre otras.

Ante esta realidad hoy enfrentamos la emergencia de nuevas aproximaciones teóricas respecto a la visualidad que han surgido en los últimos 15 años tales, como los Estudios Visuales, que entienden la dificultad de delimitar en un marco lo que es una práctica artística y amplían el foco respecto al tradicional análisis de las Artes Visuales realizado por la Historia del Arte y la Estética o Teoría del Arte, entendiendo así la visualidad como un fenómeno ampliado respecto a las prácticas artísticas intencionadas.

Todas estas señales nos recuerdan que las imágenes nos construyen, que de algún modo somos lo que vemos y nos muestran a su vez que hoy nos encontramos inmersos en un contexto donde la cantidad de información visual es enorme, y la riqueza y variedad de las prácticas artísticas se ha ampliado de manera impensada.

La oración y el arte, una relación antigua y fecunda

Al revisar la historia del arte y la historia de las religiones nos encontramos con un camino que transita de la mano. Centrándonos en la historia de la Iglesia Católica, es fácil apreciar cómo durante cientos de años la pintura y la escultura fueron el principal medio de comunicación de la Palabra de Dios. Esta alianza dio los grandes frutos del arte durante la edad antigua y la edad media y fue fundamental en la edad moderna y la primera parte de la edad contemporánea. Al día de hoy, son muchos los artistas que exploran mediante diversos lenguajes, las posibilidades de encuentro entre Arte y Fe de manera más o menos directa.

Es así como la Historia del Arte ha entregado un material fecundo como base para la oración y hoy mismo el orante puede acceder a este material como fuente de inspiración para su contacto con Dios.

La visualidad como estrategia de oración

Ahora bien, más allá de las múltiples posibilidades que cientos de años de producción artística ofrecen en esta materia, existe la posibilidad para el orante de producir sus propias imágenes para poder establecer una intimidad con Dios, a través de un lenguaje propio.

Ya San Ignacio de Loyola en sus Ejercicios Espirituales nos habla de la Composición de lugar como una herramienta para entrar en situación, a partir de un pasaje del Evangelio y poder imaginar el ser parte de una escena como un personaje, procesándola con los distintos sentidos, saboreándola, oliéndola, visualizándola.

Orar no es sólo adorar, pedir, agradecer o hacer, es también estar y la visualidad es una herramienta poderosa para poder permanecer en un lugar de oración de manera asilada de los estímulos externos. Entrar en este mundo agudiza nuestros sentidos y nos entrega una concentración especial, personal, específica y fina, delicada, llena de imágenes personales más allá de las socialmente consensuadas. El desafío es así el de construir un lenguaje propio que nos permita entrar en ese encuentro con Cristo, con el Padre.

Cerrar los ojos y morir al mundo para abrirlos en el interior y descubrir ahí múltiples espacios de encuentro, de comprensión, de calma, de aceptación…. Si nosotros logramos el escenario adecuado, Dios hará el resto, se manifestará.

Texto e imágenes: Jorge Rojas Goldsack
Fuente: Nuestra Señora de la Paz y la Alegría

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Teatro EFUSIÓN presenta el musical RESURRECCIÓN, ELLOS CUENTAN SU HISTORIA. Obra presentada por primera vez en mayo del 2009 en el Teatro Nacional de Santo Domingo.

Productores: Eudys Cordero y ÁMBITO DE INVESTIGACIÓN Y DIFUSIÓN MARÍA CORRAL, de Santo Domingo.

Basado en el texto de Alfredo Rubio de Castarlenas, ANDADURA PASCUAL, CAMINO DE ALEGRÍA. Ed. Edimurtra, S.A, 2009. Impreso en Susaeta Ediciones Dominicanas.

SEGUNDA PARTE

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Teatro EFUSIÓN presenta el musical RESURRECCIÓN, ELLOS CUENTAN SU HISTORIA. Obra presentada por primera vez en mayo del 2009 en el Teatro Nacional de Santo Domingo.

Productores: Eudys Cordero y ÁMBITO DE INVESTIGACIÓN Y DIFUSIÓN MARÍA CORRAL, de Santo Domingo.

Basado en el texto de Alfredo Rubio de Castarlenas, ANDADURA PASCUAL, CAMINO DE ALEGRÍA. Ed. Edimurtra, S.A, 2009. Impreso en Susaeta Ediciones Dominicanas.

TERCERA PARTE
 

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Teatro EFUSIÓN presenta el musical RESURRECCIÓN, ELLOS CUENTAN SU HISTORIA. Obra presentada por primera vez en mayo del 2009 en el Teatro Nacional de Santo Domingo.

Productores: Eudys Cordero y ÁMBITO DE INVESTIGACIÓN Y DIFUSIÓN MARÍA CORRAL, de Santo Domingo.

Basado en el texto de Alfredo Rubio de Castarlenas, ANDADURA PASCUAL, CAMINO DE ALEGRÍA. Ed. Edimurtra, S.A, 2009. Impreso en Susaeta Ediciones Dominicanas.

PRIMERA PARTE

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La capilla en la que hoy se venera Santa Maria de la Claraesperanza forma parte de la iglesia conventual del antiguo monasterio de San Jerónimo de la Murtra (Badalona). Fue construida en 1451 por Aldonza de Sa Bastida. Se accede a ella a través de un gran arco gótico con unas parejas de ángeles tenantes en las impostas. Es una capilla cuadrada cubierta con bóveda de crucería. En ella se abre un gran ventanal con arco de medio punto. Los jerónimos tenían gran devoción a María y por ello le dedicaron una de las principales capillas del templo. En principio estuvo dedicada a los Siete Gozos de Nuestra Señora: la Anunciación, el Nacimiento de Jesús, la Adoración del Niño, la Resurrección, la Ascensión, la venida del Espíritu Santo sobre los Apóstoles y la Asunción de María. Estos gozos dieron lugar a unas composiciones musicales muy populares. Después fue dedicada a Nuestra Señora del Rosario. En los siglos XVII y XVIII la capilla se decoró al estilo barroco y el pavimento y parte de los muros fueron recubiertos con azulejos de vivos colores. En 1714 se enterró en la tumba central D. Catalina Sans Oller, que se había refugiado en el monasterio con motivo de la Guerra de Sucesión.  En julio de 1835 la iglesia fue incendiada. El fuego hizo caer las bóvedas de la nave central y arruinó completamente las capillas del lado del Evangelio. La capilla de María subsistió a pesar de que el incendio destruyó el retablo y el fuego afectó las piedras del gran arco de entrada y las pinturas de la bóveda. Tras largos años de abandono, en 1984, la escultora Joana Just realizó la imagen de Nuestra Señora de la Claraesperanza y en 1985 se hizo una primera restauración de la capilla, suprimiendo añadidos, reponiendo la vidriera obra de Domènec Giró y consolidando las baldosas coloreadas del pavimento a cargo de la restauradora María Reyes Jiménez de Garnica.

El mes de junio de 2010, por encargo del arquitecto Francesc Abenza autor del plan director del monasterio se realizó un estudio cromático de las pinturas de la bóveda. Se hicieron algunas calas, y se vio que la decoración del ventanal parte de motivos vegetales propios del barroco a base de coloración de grisallas con tonos blancos y rojos. En los muros y en la bóveda hay una superposición de pinturas: en principio -como en el claustro y refectorio del monasterio- había una pintura blanca con líneas negras que representaban sillares. La clave de bóveda central está decorada con un amplio círculo ocre.

En enero de 2013 han empezado las obras de restauración de la bóveda y la capilla. El equipo está dirigido por Pere Rovira, técnico en pintura mural del Centro de Restauración de Bienes Muebles de la Generalitat, con el patrocinio del Departamento de Cultura de la Generalitat y de la Asociación de Amigos de Sant Jeroni de la Murtra. Los restauradores Cristina Martí y Jesús Zornoza están realizando una paciente y delicada labor de limpieza y consolidación de las pinturas: empiezan a emerger figuras de ángeles músicos con sus respectivos instrumentos. Una vez terminada la intervención, se hará una reconstrucción ideal del conjunto de las pinturas murales.

Jaume Aymar Ragolta
Doctor en historia del arte

Gracias por colaborar para la realización de las obras:
No. de cuenta: 2100 0819 31 02 00504813

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Siempre me he preguntado cómo es que la música que llamamos «clásica», para entendernos, tiene tan poco predicamento y hay tan pocos aficionados (siendo como es tan bella), si la comparamos con la música «pop» o moderna, que atrae y convoca a tantas masas. A parte de todas las explicaciones derivadas de los intereses de mercado que conforman las modas y dirigen los gustos de los consumidores, querría profundizar un poco más y explorar motivaciones musicológicas que me parecen también importantes.

Los tres elementos fundamentales de la música son: el ritmo, la melodía y la armonía. Más o menos todos tenemos una idea del concepto de estos tres componentes, por lo que me gustaría destacar que en una pieza musical y en la música en general siempre se hallan los tres incluidos, pero con diferente intensidad. Para decirlo de una manera muy sucinta, históricamente la humanidad, empezando por los pueblos más primitivos con sus instrumentos sencillos de percusión, los tambores, acompañaron las danzas con sus ritmos. Aunque a veces hubieran cantos, lo que predominaba era el RITMO, es decir lo más sencillo y asequible, con menos complejidad dentro de la música naciente. Pegándole un tirón a la cronología nos plantamos en el siglo XI y, en adelante, nos encontramos con la música religiosa del Gregoriano y la música profana, con las melodías de los juglares y trovadores. Si bien es verdad que en esta música hay un poco de ritmo, lo que predomina es la MELODÍA, el canto llano, la música homofónica; es decir, muchas voces que cantan al unísono pero con sólo una línea melódica. Esta música ya tiene una complejidad manifiesta muy meritoria, pero cuando llegan los siglos XV y XVI los compositores complican el arte musical hasta el extremo, mezclando líneas melódicas diferentes y que suenan al unísono y simultáneamente. Fue la cima de la complejidad, la llamada música polifónica del Renacimiento, donde destaca la ARMONÍA. Todo el arte musical posterior consistirá en profundizar en esta línea central de la armonía, con el contrapunto del Barroco y la compenetración creciente de la melodía y la armonía de la época Clásica y el posterior Romanticismo y que culminará con las grandes masas sonoras de la orquesta sinfónica y los grandes coros de los siglos XIX y XX.

A lo que íbamos. Esta música tan hermosa, la música Clásica, no es tan asequible como la música «pop», por su complejidad, por su riqueza armónica que pide introspección y análisis para descubrir su estructura formal y, sobre todo, tiempo para conocerla y saborearla e ir interiorizándola poquito a poco. Es tan rica que en cada nueva audición se descubren matices nuevos, la vas metiendo dentro y nunca te la acabas y cada vez la gozas más. Pero en nuestra cultura se busca sobre todo lo divertido, simple, rápido y breve. Y en cuanto a la música, ya nos va bien con una letra «apañada», una sencilla melodía descomplicada de armonizaciones y, eso sí, una percusión (la batería) continua, que altaneramente marque el RITMO. Musicalmente nuestra cultura mayoritariamente es así.

Por Xavier Torres

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